Xanten - Kalkar (Alternating Gestalt)

Xanten – Kalkar (Alternating Gestalt)

Steele, Jeffrey

1931 – Reino Unido

Su trabajo ha sido expuesto en Londres, París, Nueva York, Milán, la Bienal de Venecia (1986) y en otros lugares de Europa y América. Ha participado en más de 100 exposiciones colectivas y ha realizado 17 exposiciones individuales, la primera en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres en 1961. Sus obras se encuentran en varias colecciones públicas en el Reino Unido, incluida la Tate Britain, el Museo Victoria & Albert, el Museo Nacional de Gales en Cardiff, y en decenas de museos internacionales. La pintura “Xanten – Kalkar (Alternating Gestalt)” de Steele que pertenece a nuestra coleccion, fue parte de la exhibicion “Actie – Reactie” curada por el Prof. Serge Lemoine (Kunsthal Rotterdam 2018)

Durante la década de 1950, Steele trabajó figurativamente mientras trabajaba como técnico de radio de Rediffusion y también participaba en un programa de autoeducación en idiomas y filosofía europeos, así como en arte. Estuvo particularmente influenciado por el estilo alegórico de Stanley Spencer (1891-1959). El cuadro de Steele, “Cristo llevando la cruz” (1952-3, ambientado en Adamsdown, Cardiff) se mostró en la Royal Academy de Londres en el verano de 1953 y causó controversia en su ciudad natal debido a su mensaje satírico.

Steele estudio la obra de Cézanne, el cubismo y los expresionistas abstractos, pero dijo más tarde: “Desconfié de la omisión deliberada de la parte pensante de la mente que implica la pintura gestual y cierto amor por el método filosófico de Descartes me predispuso hacia una forma racional y austera. ”

En 1959 ganó una beca del gobierno francés para estudiar en París, inicialmente durante tres meses. Allí visitó el espectáculo “Antagonismes” en el musée des Arts décoratifs, y vio la obra de Auguste Herbin, Max Bill, Richard Paul Lohse, Jesús Rafael Soto y especialmente influyente para Steele fue Victor Vasarely. Decidió empezar de nuevo y cuando regresó a Cardiff destruyó toda la obra figurativa que tenía en su poder.

Comenzó con lo que no se podía eliminar mientras aún era un artista haciendo cuadros: los dos elementos esenciales, primero un lienzo blanco en blanco (cuando estaba imprimado), y segundo, un elemento (o elementos) de negro, estos dos (figura y fondo) interactuando. juntos. A partir de esta situación binaria más simple posible, construyó una nueva práctica, comenzando con representaciones de formas ovoides. Cada obra está sustentada por su propio conjunto de relaciones matemáticas que, una vez elegidas intuitivamente, determina los elementos representados para producir un todo unificado y armonioso, que es independiente de cualquier objeto externo (como en el arte figurativo) o de las emociones del artista como en el Expresionismo abstracto. Por lo general, las divisiones verticales y horizontales iguales del lienzo se cortan con diagonales que se cruzan y se toman nuevas líneas de las intersecciones para producir un sistema de cuadrículas o redes superpuestas. Sobre estos se construyen las formas, líneas, curvas, bloques de color o divisiones espaciales que forman los elementos del cuadro. Los elementos se repiten pero están sujetos a los efectos de cambios incrementales de acuerdo con progresiones lógicas. Interactúan e interpenetran para permitir al espectador hacer nuevas conexiones múltiples y ver nuevos patrones. Como en una fotografía de medio tono, la imagen parece tener más significado que los elementos que la componen. Este efecto, dice la crítica Gloria Carnevali, puede verse como formando “una nueva tercera dimensión, una que existe entre la pintura y el observador”, incluso un “nuevo espacio pictórico”. El uso en el trabajo de Steele de elementos en oposición equilibrada, y los ejes inclinados que surgen de las diagonales, producen totalidades simétricas que no son estáticas sino dinámicas, complejas y llenas de movimiento aparente, especialmente rotacional, el ojo finalmente regresa a su punto de partida antes de comenzar. un nuevo viaje por la imagen.

Aunque modernas en su pura abstracción, purgadas de referencias al mundo exterior a la imagen, las obras de Steele, en sus sistemas de proporción, equilibrio y medida, en su uso de formas geométricas (particularmente círculos y polígonos como triángulos y cuadrados), y en sus fuertes contrastes de luz y oscuridad (claroscuro) en su composición, están prefigurados por arte y arquitectura mucho más antiguos, y tienen una calidad atemporal. El objetivo de Steele es la experimentación e investigación visual, para responder preguntas como “¿cómo sería eso?”, Un viaje en colaboración con el espectador sobre la base de un estatus igualitario. El resultado, si bien es potencialmente satisfactorio, interesante y atractivo para el espectador, no está destinado principalmente a proporcionar placer estético y disfrute sensorial (“Me gusta eso”), ni a provocar una respuesta emocionalmente comprensiva o admiración por la habilidad o perspicacia del artista ( “Eso es bueno”), o para satisfacer el mercado del arte. El artista se mantiene firmemente en un segundo plano.

En una declaración sobre su obra, Steele propone “abolir en la medida de lo posible los factores subjetivos, contingentes y aleatorios en favor de un principio de necesidad; desarrollar un contexto pictórico conforme a este principio y hacer que este principio sea lo más inteligible posible”.

La pintura de Steele, “Baroque Experiment – Fred Maddox” (1962/63) apareció de manera destacada en un artículo de la revista Time sobre Op-art, “Imágenes que atacan el ojo”, en octubre de 1964. Luego se exhibio en “The Responsive Eye”, la iconica exposición realizada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en febrero-abril de 1965, organizado por William Seitz, que también incluyó obras de los artistas británicos Michael Kidner y Bridget Riley. Steele pasó tres semanas en la ciudad, conociendo a críticos y artistas como Josef Albers, Fritz Glarner, Richard Huelsenbeck, Ad Reinhardt y Andy Warhol, visitando galerías y alojarse en el Hotel Chelsea. Fue entrevistado por el cineasta Brian De Palma para su documental sobre la exposición. Se le ha identificado con el movimiento Op-art porque ha trabajado en blanco y negro, especialmente en la década de 1960, y sus pinturas presentan bordes claros y duros, contrastes nítidos e incluso deslumbrantes, ambigüedad figura-fondo y efectos cinéticos. Sin embargo, el objetivo de Steele no es explotar las ilusiones ópticas para obtener un efecto espectacular, como producir imágenes retinianas posteriores para causar perturbaciones o interferencias visuales, perspectiva reversible (objetos que parecen avanzar y retroceder), la ilusión de vibración y brillo, todo ridiculizado. como trucos o trucos de algunos críticos de arte. En la obra de Steele, tales distorsiones son efectos secundarios de los sistemas subyacentes de sus obras.

Steele fue miembro del 56 Group Wales desde 1963 hasta 1974, y miembro vitalicio / honorario desde 1974.

Steele fue miembro fundador del grupo de artistas Systems junto con Malcolm Hughes en diciembre de 1969. El grupo incluía a Michael Kidner, Gillian Wise, Peter Lowe, Colin Jones, David Saunders, Jean Spencer, Richard Allen, John Ernest y otros. El grupo surgió a través de una exposición de nueve artistas, “Systeemi-System”, organizada por Steele y su entonces esposa, la diseñadora textil Arja Nenonen (1936-2011), en el Museo Amos Anderson de Helsinki, capital de la Finlandia natal de Nenonen, en 1969. Steele subtituló la exposición “Una exposición de arte sintáctico de Gran Bretaña”, y la palabra “sintáctica” se refiere a la obra “construida a partir de un vocabulario de formas en gran parte geométricas de acuerdo con sistemas predeterminados y, a menudo, basados en las matemáticas”. . A la exposición de Helsinki le siguió una similar llamada “Matrix” en la Arnolfini Gallery de Bristol y la exposición itinerante del Arts Council de 1972/3 “Systems” que se inauguró en la Whitechapel Gallery de Londres en marzo de 1972. A ésta le siguió “Systems II “en el Politécnico del Centro de Londres en 1973. Los miembros individuales expusieron en la galería Lucy Milton en Notting Hill, Londres, hasta 1975, y en Europa continental durante la década de 1970 y posteriormente. El grupo dejó de existir en 1976 a raíz de desacuerdos políticos, pero varios de sus miembros se mantuvieron en términos amistosos y se exhibieron juntos.

El Arts Council of Great Britain organizó una exposición itinerante de 15 artistas llamada “Constructive Context” en 1978-9, comisariada por Stephen Bann, que reunió a miembros del antiguo grupo Systems, y Gillian Wise organizó una sección constructivista en el Hayward de 1978. exposición anual.

Entre los dos grupos de exposiciones relacionadas con los sistemas (en la década de 1970 y el resurgimiento del interés en 2005-2008), Steele y otros ex miembros del grupo y artistas relacionados continuaron exhibiendo ampliamente en Europa continental, Europa del Este y Rusia, y habían obras compradas para colecciones públicas allí. Sin embargo, en el Reino Unido, la atención del mundo del arte se centró en el conceptualismo. Steele y sus asociados también pueden haber sufrido una percepción de su arte como frío o inescrutable. Además, el grupo también se ha asociado con la izquierda política y el constructivismo ruso de la era soviética temprana, y muchos de sus miembros (incluido Steele) ven una fuerte afinidad entre su arte y el marxismo. Pero en un momento en que la Guerra Fría estaba en pleno apogeo y el thatcherismo estaba en ascenso, el trabajo de Steele y sus contemporáneos no encontró el favor general en los círculos artísticos del Reino Unido. Mientras tanto, muchos en la izquierda revolucionaria también desconfiaban de ella como supuestamente elitista, y las masas no la apreciaban fácilmente. Fue un miembro destacado de la asociación profesional denominada “Actas grupales” que estaba destinada a que los artistas teorizaran sobre las prácticas artísticas, también durante su tiempo en el Departamento de Bellas Artes de Portsmouth. En Portsmouth dirigió el seminario “Algunas cuestiones relativas a las bellas artes y la propagación de ideas por medio de imágenes” que se conoció, por su contenido marxista, (cariñosamente y de otro modo) como el “Curso de ideología”, del que hay extensos trabajos. y uno de los resultados directos e indirectos de esto es el trabajo teórico de Gary Tedman e Iona Singh.

Después de la exposición “Contexto constructivo” de 1978-9, no fue hasta 2005 que se llevó a cabo una exposición similar. Esto fue en la Galería de Arte de la ciudad de Southampton, llamado “Elementos de abstracción: espacio, línea e intervalo en el arte británico moderno”, comisariado por el profesor Brandon Taylor y el Dr. Alan Fowler de la Escuela de Arte de Winchester. A esto le siguieron “Towards a Rational Aesthetic: Constructive Art in Post-War Britain” en la Osborne Samuel Gallery de Londres en 2007 y “A Rational Aesthetic”, una segunda exposición en la Southampton City Art Gallery en 2008. Todas ellas incluyeron la obra de Steele y artistas afines. La muestra de 2008 también contó con el trabajo de Anthony Hill y Kenneth Martin , quien junto con su esposa, Mary Martin y Victor Pasmore fue una figura destacada en El resurgimiento del constructivismo en Gran Bretaña y Estados Unidos en la década de 1940, precursores del grupo Systems. Steele ha sido entrevistada extensamente por la investigadora Cathy Courtney para la sección Vidas de artistas de la National Life Stories de la Biblioteca Británica. proyecto. La Biblioteca Británica también tiene una colección de grabaciones de video realizadas por Steele en su casa y estudio entre 1997 y 2011. Steele vive y trabaja en Southsea, Hampshire.

https://www.youtube.com/watch?v=vaUme6DY8Lk